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Reseña de Spider-Man No Way Home: un viaje cíclico a través del tiempo y el comercialismo

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Spider-Man: No Way Home, que se estrena el jueves en los cines, es, en la superficie, la película de Spider-Man de acción en vivo más ambiciosa que Sony Pictures ha producido. Como ya han revelado los avances de No Way Home, la nueva película de Spider-Man reúne tres eras de Spider-Man, con villanos de Tobey Maguire y las carreras de Andrew Garfield como Peter Parker saltando al multiverso de Marvel. Obtenemos al Dr. Norman Osborn/ Duende Verde (Willem Dafoe) de Hombre arañaDr. Otto Octavius/ Doctor Octopus (Alfred Molina) de Spider-Man 2, Flint Marko/ Sandman (Thomas Haden Church) de Spider-Man 3, Curt Connors/ Lizard (Rhys Ifans) de The Amazing Spider-Man y Max Dillon/Electro (Jamie Foxx) de The Amazing Spider-Man 2. Todo está sucediendo, en una película de Spider-Man.

Esto le permite a Spider-Man: No Way Home, del director que regresa Jon Watts, hacer un viaje nostálgico por el camino de la memoria, aunque no iría tan lejos como para decir que está parado sobre los hombros de gigantes. Para ser justos, muchos de los villanos que trae No Way Home provienen de películas terribles (The Amazing Spider-Man 2) y olvidables (Spider-Man 3, The Amazing Spider-Man). Dicho esto, Spider-Man: No Way Home hace todo lo posible para proyectarlos bajo una nueva luz y redimirlos lo mejor que pueda. A Dafoe y Molina, naturalmente, les va mejor, siendo este último parte de lo que sigue siendo una de las mejores películas de superhéroes de todos los tiempos. Pero aunque pueda parecer que el universo se está expandiendo, tenemos un multiverso adecuado, en realidad, el universo de Spider-Man se está derrumbando sobre sí mismo en No Way Home. No hay nuevos personajes introducidos en esta ronda.

Dicho esto, Spider-Man: No Way Home intenta profundizar en el mito de Peter Parker. Como uno de los superhéroes más jóvenes que existen (el Spider-Man de Tom Holland, todavía en el último año de la escuela secundaria, es la versión de acción en vivo más joven), Parker aún conserva la opinión de que hay algo bueno en todos. Es completamente optimista, aunque miope e ingenuo. En el fondo, la nueva película de Spider-Man, escrita por el dúo que regresa Chris McKenna y Erik Sommers, trata sobre Peter lidiando verdaderamente con lo que se necesita para ser moralmente bueno. Como cuánto puedes soportar antes de romper y dejar caer lo que representas. Si vas a vivir según tus principios, debes hacer algunos sacrificios para salvar a otros. La tía de Parker, May (Marisa Tomei), cree que ayudar a una persona es como ayudar a todos, pero ¿a qué costo personal?

Todo lo que necesitas saber sobre Spider-Man: No Way Home

Spider-Man: No Way Home envía al Peter Parker de Holanda a algunos lugares oscuros, aunque nunca está demasiado lejos de otra migaja de nostalgia que no puede colgar en tu cara poco después. Es como si se mezclaran trozos de patetismo con cucharadas de “Oh, mira, buenos (y no tan buenos) recuerdos de otras películas de Spider-Man”. Después de todo, está la cuestión más importante de cómo esto, el regreso de los actores de las viejas películas de Spider-Man, se parece mucho a una empresa comercial cínica. Spider-Man: No Way Home termina de una manera un poco tranquilizadora que parece que Sony Pictures podría estar feliz de ponerle un límite a las cosas, pero siempre hemos sabido que nada es sagrado o permanente para Hollywood. Desenterrarán y exhumarán a quien quieran, incluso si deben hacerlo a través de medios digitales tontos.

Retomando justo donde lo dejamos en Spider-Man: Far From Home, encontramos la vida normal de Parker dando un vuelco frente a sus ojos. Las cámaras y la atención lo siguen a todas partes: ahora es la persona más famosa del mundo, se nos dice repetidamente, y algunos incluso van por él, creyendo que realmente mató a Quentin Beck / Mysterio (Jake Gyllenhaal), el holograma de Lejos de casa. villano especialista que se presentó como un héroe moribundo ante el mundo manipulando imágenes. Sin embargo, lo más importante para Parker es que está afectando la vida de quienes lo rodean: su novia MJ (Zendaya) y su mejor amigo Ned Leeds (Jacob Batalon) son rechazados en las universidades, y él y su tía tienen que mudarse de casa para mantenerse a salvo. Habiendo tenido suficiente, a Parker se le ocurre la peor idea posible.

Como ya habrás visto en los tráilers de Spider-Man: No Way Home, Parker le pide al Dr. Stephen Strange/Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) que lance un hechizo que haga que la gente olvide que Peter Parker es Spider-Man. Dejando a un lado la estupidez en torno a Peter pidiendo un favor tan loco, hay tantos superhéroes que tienen que vivir con la carga de que su identidad esté abierta, lo que lo hace más loco es la forma casual en que el Doctor Strange accede a su solicitud. Extrañas olas de advertencias de Wong (Benedict Wong) al decir que han usado tales hechizos para cosas mucho más pequeñas en el pasado. Bien entonces. Pero invariablemente, las cosas empeoran después de que Parker se da cuenta de que no ha transmitido correctamente su solicitud: el hechizo que Strange está lanzando hará que todo el mundo olvida que Peter Parker es Spider-Man. Ya sabes, incluidos MJ, Ned y May.

Desde Spider-Man: No Way Home hasta la temporada 2 de The Witcher, qué ver en diciembre

Tom Holland como Peter Parker, Benedict Cumberbatch como Doctor Strange en Spider-Man: No Way Home
Crédito de la foto: Matt Kennedy/Sony Pictures

Esto sería hilarante si no estuviéramos tratando con personajes que ejercen una magia tan poderosa que rompe la realidad en el poder de sus manos, o son amigos de personajes que ejercen una magia que rompe la realidad. Pero la planificación en Spider-Man: No Way Home es generalmente estúpida en su mayor parte. Parker regularmente toma decisiones dudosas sobre elecciones dudosas que permiten que se impulse la trama de No Way Home. Que confíe en los villanos que intentan matarlo y que se han opuesto a otros como él en sus propios universos, dice mucho de la facilidad con la que confía. Spider-Man: No Way Home solo funciona si aceptas el viaje en el que te embarcan, porque su lógica interna se desmorona con demasiada facilidad. Parte de eso se juega para reír, pero alguien necesita darle algo de sentido a los héroes eventualmente.

Spider-Man: No Way Home tampoco justifica realmente que Peter necesite seguir el camino que elige para sí mismo. Simplemente se lanza a situaciones sin precaución. Si Parker realmente está siendo visto como el villano por el mundo debido a cómo se está girando la revelación de Mysterio, estoy seguro de que hay mucho en el mundo para contrarrestar esa narrativa. ¿Por qué ninguno de los Vengadores (o lo que queda de ellos) da un paso al frente para defender a Parker? Aunque en cierto nivel, el hecho de que la información errónea pueda llegar a ser tan omnipresente (el rostro de la misma, J. Jonah Jameson (JK Simons), sigue el modelo de un loco de la conspiración de extrema derecha como Alex Jones) dice algo sobre nuestro propio mundo.

Y no está claro si Spider-Man: No Way Home gana lo suficiente al fusionar las tres eras de Spider-Man. Sabe que a veces le está pidiendo mucho a su audiencia, razón por la cual los villanos hablan deliberadamente en voz alta sobre su pasado como si se estuvieran presentando en caso de que el espectador no los conozca. Marvel Studios y Sony Pictures quieren que todos los sigan, claramente. El primero esperaba que los fanáticos vieran todas sus películas (y ahora también programas de televisión), pero con esto, ¿también deben haber visto otras cinco películas de Spider-Man para disfrutarlas adecuadamente? También hay otros personajes en Spider-Man: No Way Home, para los que necesitas más conocimientos fuera del Universo Cinematográfico de Marvel. Puede tomarlos al pie de la letra, ya que se presentan solo para usarse más adelante en otros títulos de Marvel.

Nueva trilogía de Spider-Man, con Tom Holland, en proceso en Marvel y Sony Pictures

Willem Dafoe como Duende Verde en Spider-Man: No Way Home
Crédito de la foto: Sony Pictures

Y a pesar de ser la tercera película más larga de MCU con un tiempo de ejecución de 148 minutos, Spider-Man: No Way Home realmente no tiene tiempo para construir sobre los villanos. Claro, se burlan mucho de cómo este universo está sobrealimentado en comparación con los demás: hay todo tipo de magia aquí, y tenemos a los Vengadores (“¿Son una banda?”, bromea un personaje querido) – y bromas dirigidas a los nombres y las historias de origen de los villanos (¿Otto Octavius? LOL. ¿Te caíste en una tina de anguilas? Hah. ¿Te caíste en un supercolisionador? Maldita sea.) Pero la superposición real de personajes es muy poca, de hecho.

Además, con tantos personajes que necesitan tiempo de pantalla, Holland una vez más juega un papel secundario y secundario en sus propias películas. También perdemos gran parte del mundo creado alrededor del Spider-Man de Holland en las dos últimas películas. El hecho de que Parker esté en el último año de la escuela no importa en absoluto. Excepto por MJ y Ned, cuya presencia también parece cuestionable de vez en cuando, hay exactamente una escena para el resto del lote: sus otros compañeros de clase y sus maestros. El novio de May, Happy Hogan (Jon Favreau), consigue un par de escenas, y May un poco más que eso.

La gran pregunta de si Spider-Man: No Way Home se sostiene sobre sus propios pies es bastante imposible de responder dado lo profundamente que está entretejido en la trama de otras cinco películas de Spider-Man. Pero lo más importante es que es irrelevante. No Way Home es una prueba de que, con la ayuda de Marvel Studios, Sony Pictures ahora puede soñar en grande. Nunca le faltó el apetito, pero siempre le faltaron las habilidades creativas para hacerlo. Ahora, con la guía del maestro del universo cinematográfico compartido, Marvel hizo una falsificación con estas travesuras del multiverso en Lejos de casa, antes de presentarlas en Loki – finalmente entregó una película de Spider-Man que es a la vez una perspectiva deliciosa para los analistas financieros y una delicia para los fanáticos de Spider-Man de todas las edades.

Hay alegría en ver lo viejo remezclado con lo nuevo. Pero también es uno de rendimientos decrecientes. En lugar de contar historias completamente nuevas, los ejecutivos de cine de hoy son tan grandes en IP que ahora están buscando en su propio pasado. El flash, que se lanzará en noviembre de 2022, está a punto de hacer algo similar para el Universo Extendido de DC, con el Batman de Michael Keaton llegando desde los años 90 y la versión de Ben Affleck del propio DCEU. Incluso podría atraer a Batman de Robert Pattinson de The Batman, en marzo de 2022. ¿Quién puede decirlo realmente? Lo que muestra Spider-Man: No Way Home es que Hollywood puede y no dejará que nada descanse para siempre.

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Tom Holland como Peter Parker, Jacob Batalon como Ned Leeds, Zendaya como MJ en Spider-Man: No Way Home
Crédito de la foto: Matt Kennedy/Sony Pictures

Al reunir todas sus películas anteriores de Spider-Man en un todo, Sony Pictures les está dando nueva vida nuevamente. (Es por eso que estamos viendo nuevos lanzamientos de Blu-ray 4K de películas antiguas, junto con docenas de juguetes nuevos y oportunidades de comercialización insondables). , y el verdadero efecto que su vida tiene en quienes lo rodean: Sony y Marvel han establecido su franquicia de Spider-Man de tal manera que, al final de esta película, el amigable superhéroe del vecindario podría literalmente ir a cualquier parte. Porque para Parker, un gran poder puede conllevar una gran responsabilidad, pero para Hollywood, un gran poder simplemente conlleva más codicia.

Spider-Man: No Way Home se estrena el jueves 16 de diciembre en India en inglés, hindi, tamil y telugu.

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Reseña de la temporada 2 de The Witcher: mejor, pero la serie de Netflix de Henry Cavill aún tiene camino por recorrer

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La temporada 2 de The Witcher, que se transmite el viernes a la 1:30 p. m. IST en Netflix, es más segura de sí misma. A diferencia de la mediocre primera temporada que exhibió dolores de crecimiento, la segunda temporada de la serie de fantasía de Netflix dirigida por Henry Cavill tiene un manejo más fuerte de lo que quiere ser. Con sus cuentos episódicos inconexos, la primera temporada esencialmente te perdió como miembro de la audiencia. The Witcher temporada 2 es mejor para llamar su atención y luego retenerla, al menos durante las primeras seis horas. Netflix proporcionó a los críticos acceso a seis de los ocho episodios de la segunda temporada. Hay un par de historias episódicas en la temporada 2 de The Witcher, pero la serie de Netflix se serializa cada vez más a medida que avanza. Y el material episódico se siente como parte del panorama general, ya que tiene lecciones resonantes para nuestros protagonistas.

La intrincada estructura no lineal también se ha ido: nunca benefició realmente a la primera temporada y simplemente se interpuso en su camino una y otra vez. The Witcher estuvo al borde de lo aburrido en su debut, y eso es criminal en la era de las guerras de transmisión. La temporada 2 lineal de Witcher es más emocionante desde el principio. Y a pesar de carecer de las ventajas de la narración no lineal, se las arregla para ser una mezcla de intriga y misterio donde falló la primera temporada. La temporada 2 de The Witcher sigue principalmente dos hilos en su mayor parte: uno sigue al cazador de monstruos titular Geralt (Cavill) y su princesa heredera Ciri (Freya Allan), y el otro con la hechicera Yennefer (Anya Chalotra), y aunque se ramifica de vez en cuando, todos retroalimentan a esos dos.

Dicho esto, todavía hay elementos que necesitan un aspecto más fino. Por ejemplo, casi todos los episodios de la temporada 2 de The Witcher enfrentan a Geralt contra un monstruo que viene por Ciri. Realmente nunca estuve de acuerdo con este monstruo y un plan de episodio. Para mí, se siente un poco como forzar la acción en la narración, cuando podríamos dedicar ese tiempo a la construcción del personaje. Además, ¿qué alegría repetida viene de ver a Geralt mostrar sus habilidades contra monstruos que no pueden hablar? No me importan, la acción no está enraizada en un conflicto emocional o moral, se siente vacía. Sí, este elemento es divertido cuando juegas como Geralt en los juegos de The Witcher, pero aquí… no lo es. ¿Lauren Schmidt Hissrich, la creadora y showrunner de la serie de Netflix, está haciendo esto para complacer a los fanáticos de los videojuegos?

Todo lo que necesitas saber sobre la temporada 2 de The Witcher

Por lo que vale, la otra gran historia que sigue a Yennefer no puede sucumbir a ese patrón. También es más interno, con secuencias de pesadilla que intentan profundizar en sus problemas (su deseo de tener un hijo y los problemas asociados). The Witcher sigue siendo un espectáculo sincero en la temporada 2 en su mayor parte, aunque es cierto que las conversaciones son mejores esta vez. La temporada 2 de The Witcher es divertida a veces, la mayoría de las cuales involucra a Geralt gruñendo después de que la gente intenta hacerle preguntas personales, pero la serie de Netflix no va a rivalizar con la razón por la que existe, la fantasía épica de HBO Game of Thrones, en el corto plazo. Departamento.

La temporada 2 de The Witcher comienza inmediatamente después de la Batalla de Sodden Hill, el final de la temporada 1 de vida o muerte que enfrentó a Yennefer y sus compañeros magos contra el poder de las fuerzas armadas invasoras nilfgaardianas. El comienzo intenta venderte que Yennefer se ha ido, a pesar de que los avances de la temporada 2 de The Witcher han demostrado que volverá. Y cede a los 11 minutos de los primeros episodios, ya que se muestra que Yennefer está viva aunque no bien. Está siendo acogida por su compañera hechicera Fringilla (Mimî M. Khayisa), quien planea ofrecerla como mea culpa por fracasar en el avance hacia el norte de Nilfgaard. Siguiendo la magia de fuego que desplegó al final de la temporada 1 para detener a los nilfgaardianos, Yennefer termina con una especie de crisis existencial en la temporada 2 de The Witcher. Ahora hay un agujero aún más profundo en ella.

Pero Geralt, que llega con Ciri a Sodden Hill después de que terminó la batalla, no sabe que Yennefer está viva. Al considerarla perdida, Geralt decide llevar a Ciri al lugar donde van los brujos cuando llega el invierno: su hogar y antigua fortaleza Kaer Morhen. Allí, la temporada 2 de The Witcher presenta a la “familia” de brujos extendida de Geralt: su mentor y figura paterna Vesemir (Kim Bodnia, de The Bridge), quien fue la estrella del spin-off de anime The Witcher: Nightmare of the Wolf, y compañero los brujos Lambert (Paul Bullion), Coën (Yasen Atour) y Eskel (Basil Eidenbernz). Gran parte de las primeras horas de la temporada 2 de The Witcher están dedicadas al entrenamiento de Ciri, y el equipo de brujos se convierte en su especie de palo y zanahoria, empujándola y aguijoneándola, o tratando de rastrear su historia.

También hay un misterio más grande que rodea a Ciri que se enfoca a medida que la temporada 2 de The Witcher se adentra más en su carrera de ocho episodios.

The Witcher, Money Heist, Decoupled y más en diciembre en Netflix India

Freya Allan como Ciri en la temporada 2 de The Witcher
Crédito de la foto: Jay Maidment/Netflix

The Witcher temporada 2 hace algunas cosas interesantes. Reúne repetidamente a los personajes que regresan de la temporada 1 en combinaciones que no esperarías. Sus ideologías opuestas crean buenos contrastes y una rica conversación mientras emprenden aventuras. Esto es algo en lo que Game of Thrones fue genial, ya sea el enano rico Tyrion Lannister (Peter Dinklage) y su campeón convertido en amigo Bronn (Jerome Flynn), el vilipendiado caballero Jaime Lannister (Nikolaj Coster-Waldau) que termina como un cautiva bajo Brienne of Tarth (Gwendoline Christie), o la testaruda Arya Stark (Maisie Williams) también cautiva con el feroz guerrero The Hound (Rory McCann).

Compañeros improbables que emprenden un viaje siempre son una fuente de material rico. The Witcher temporada 2 entiende esto, pero también parece distraerse con el panorama general. Se siente como si tuviera prisa por mostrarte más, llevarte a lugares y construirse para el final, cuando podría estar haciendo más por sus personajes si solo redujera la velocidad y se tomara un momento para respirar. (Algunos de sus eventos también son un poco increíbles). Dicho esto, The Witcher Continent se expande de maneras muy acogedoras en la temporada 2: visitamos un montón de lugares nuevos, algunos espantosos y otros realmente agradables.

Dos temporadas después, The Witcher está comenzando a descubrir lo que se necesita para ejecutar un programa como Game of Thrones. Sin embargo, su elenco todavía tiene un alcance muy limitado. Claro, puede haber una docena de miembros principales del reparto en el papel, pero en realidad son los cuatro de los cinco principales facturados los que The Witcher ha hecho que realmente nos interesen. El comandante nilfgaardiano Cahir (Eamon Farren) se sintió como un don nadie inútil en la temporada 1, pero la temporada 2 de The Witcher mejora un poco su posición. A decir verdad, solo los tres primeros (Geralt, Ciri y Yennefer) reciben atención continua en la segunda temporada.

Más allá de eso, The Witcher se cae demasiado pronto. Es difícil invertir en cualquiera de la mentora de Yennefer y la usurpadora de Aretuza, Tissaia (MyAnna Buring), la ex amiga e historiadora de Yennefer, Istredd (Royce Pierreson), la mencionada Fringilla, la ex amiga elfa de Ciri, Dara (Wilson Radjou-Pujalte), que apenas está involucrada. esta vez, o Lars Mikkelsen mientras continúa su actuación como el líder de Aretuza, Stregobor. Ninguno de ellos puede hacer nada más allá de lo que exige la trama de la temporada 2 de The Witcher.

De The Witcher a Spider-Man: No Way Home, qué ver en diciembre

Anya Chalotra como Yennefer en The Witcher temporada 2
Crédito de la foto: Jay Maidment/Netflix

La hechicera Triss (Anna Shaffer), quien asesoró al Rey Foltest de Temeria en la temporada 1, recibe un poco más que eso a pesar de tener la misma cantidad de tiempo que otros miembros del reparto principal. Y generalmente es una delicia tenerla durante el tiempo que está cerca. El hechicero Vilgefortz (Mahesh Jadu), que se reveló como un traidor en la temporada 1, prácticamente no existe en la temporada 2 de The Witcher.

De hecho, el mago renegado Rience (Chris Fulton), contratado por Vilgefortz para encontrar a Ciri, tiene más tiempo en pantalla en la temporada 2 de The Witcher, aunque su papel se apega a un guion de villano ostentoso. Entre los nuevos participantes, es Vesemir quien recibe la mayor atención. Hay mucho tiempo dedicado a la líder elfa Francesca (Mecia Simson) y su búsqueda de reconstruir su gloria, pero nunca me conecté realmente con su causa. Y la “familia” Witcher extendida de Geralt Lambert, Coën y Eskel tienen partes secundarias y líneas secundarias.

La belleza de Game of Thrones no era solo el tamaño del conjunto, sino cómo lo aprovechó al máximo. Cómo llegaste a sentir o sentir la ira de sus personajes que se extendían por todo el espectro moral. The Witcher carece de eso. La segunda temporada muestra que sus cineastas, mientras que el equipo de redacción se queda en gran parte, el equipo de dirección ha sido renovado por completo, tienen más confianza en la ejecución de su visión. Pero The Witcher todavía tiene mucho camino por recorrer. Cavill podría estar comprometido con el plan de siete temporadas del creador de The Witcher (y Netflix ya ordenó otra temporada), pero necesita darnos más al resto de nosotros, si quiere que nos quedemos.

La temporada 2 de The Witcher sale el viernes 17 de diciembre a la 1:30 p. m. IST / 12 a. m. PT en Netflix en todo el mundo. En India, la temporada 2 de The Witcher está disponible en inglés e hindi.

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The Batman Review: Robert Pattinson y Matt Reeves crean una ópera visceral malhumorada

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The Batman, que se estrena el jueves en IMAX y el viernes en todos los cines, es tanto un gran riesgo como la apuesta más segura que se puede hacer en Hollywood. Este último porque es una película sobre uno de los personajes de cómic más populares de todos los tiempos. Tan popular, de hecho, que incluso una película irresponsable sobre su archienemigo recaudó más de mil millones de dólares en taquilla hace unos años. Lo primero porque el director y coguionista de The Batman, Matt Reeves, impulsado por el emo malhumorado Mr. Vengeance de Robert Pattinson, ha hecho que una película de Batman sea más sombría que las visiones de Zack Snyder, mucho más extraña que la trilogía de Christopher Nolan, y tan sombría que recordé más que una vez de los juegos de Batman: Arkham y las novelas gráficas de Frank Miller, “Batman: Year One” y “The Dark Knight Returns”.

Tal como prometió Reeves, The Batman es una sombría versión neo-noir centrada en un detective del Caped Crusader, a veces más un thriller psicológico que los dramas de acción que son la mayoría de las otras películas de Batman. De hecho, The Batman no parece una película de historietas durante mucho tiempo. Para las audiencias entrenadas en Marvel, Sony y DC que comercian con una forma establecida y aceptada de acercarse a las películas de superhéroes, esto será una sacudida. Me imagino a algunos diciendo: “No me inscribí en esto”. Esto es audaz tanto por parte de Reeves como de Warner Bros. Dependiendo de cómo vaya el boca a boca, The Batman podría fallar y asustar a los productores y alejarlos de los autores, o animar a los estudios a permitir que los cineastas den su propio giro a estos personajes de décadas de antigüedad, en lugar de forzarlos. cada director para encajar en un molde de cortador de galletas.

Para ser justos, Warner debe haber sabido lo que estaba firmando con The Batman. Después de todo, Reeves es responsable de dos partes de la mejor trilogía cinematográfica de la década pasada, la serie de reinicios de El planeta de los simios, que terminó con un capítulo sobre la venganza y el peso de la responsabilidad, representado de una manera bíblica, pesimista y oscura. Aunque The Batman está navegando por algunos de esos mismos temas, ciertamente está más conectado a tierra. Dicho esto, funciona de una manera atmosférica cambiante similar, con una paleta de colores apagados. Según recuerdo, Batman se compone básicamente de una variedad de negros, además de luces blancas y amarillas. Y, oh, todo está empapado: está lloviendo en Ciudad Gótica como en el 80 por ciento de las escenas. El director de fotografía Greig Fraser (Dune, Zero Dark Thirty) presta su talento.

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Pero a diferencia de War for the Planet of the Apes, la dirección y el manejo de las cosas atmosféricas cambiantes es mucho mejor que el drama de personajes donde la escritura (Reeves trabajó con Peter Craig (The Town, The Hunger Games: Mockingjay – Part 2)) – deja mucho que desear. Batman pierde fuerza al final de su segundo acto y no puede recuperarse por completo para el tercer y último acto. Y con una dura duración de 176 minutos (esta es la película de Batman más larga de todos los tiempos y el tercer superhéroe más largo después de Justice League y Avengers: Endgame de Zack Snyder, que fueron aventuras en equipo), me temo que el público podría sentirme enfadado. Batman comienza de manera intrigante, se basa en él con una gran promesa, solo para finalmente desperdiciar su potencial.

Desde el principio, está claro que The Batman tiene la intención de moverse a su propio ritmo deliberado. Las escenas toman su propio tiempo dulce: la película de DC cubre solo una semana en la vida de Batman, con la historia que comienza en Halloween y termina una semana después, ya que todo se hace metódicamente y nada se apresura. Esta es la gran razón por la que funciona durante casi tres horas. Reeves te está invitando a su mundo, pidiéndote que te establezcas y que confíes en él para que te lleve. Este es Batman a través de Blade Runner 2049, aunque nunca es tan pesado. Pero al igual que Denis Villeneuve allí, Reeves está genial marcando la pauta: su Ciudad Gótica no está llena de mugre, tiene capas.

Y el director de Batman sabe cómo crear una sensación de miedo, pavor y algo siniestro. Tome el uso del sonido. La gente presta tanta atención a las imágenes al hacer películas que olvidan que el sonido es la mitad. Primero nos encontramos con el Batman de Pattinson a través del sonido de su caminar: el crujido de sus pesadas botas golpeando el concreto. (Técnicamente, lo escuchamos primero a través de una voz en off con la que no estoy del todo de acuerdo). Eso define la película, junto con un uso liberal del tema y la banda sonora de The Batman del compositor Michael Giacchino, que ayuda enormemente a Reeves a lograr lo que se propone. hacer. La partitura de Giacchino se inclina hacia el horror psicológico de un justiciero que opera en las sombras. Y durante las escenas de acción, se siente elemental y primitivo en los instrumentos que despliega.

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Paul Dano como Riddler en The Batman
Crédito de la foto: Jonathan Olley/DC Comics

Inaugurado en la noche de Halloween, The Batman nos presenta a su principal villano, Riddler (Paul Dano), que se dirige a las élites de Ciudad Gótica con el autoproclamado interés de descubrir la verdad. O como él dice: “No más mentiras”. (Hay un elemento voyerista en la película, ya que tanto Batman como Riddler estudian a las personas desde lejos, y Reeves claramente quiere que establezcamos esos paralelismos). Con cada nueva muerte, Riddler deja un sobre dirigido a Batman, con una tarjeta, un pista y un código dentro, como si estuviera jugando con él.

Un poco como lo hizo el Joker de Heath Ledger con el Batman de Christian Bale. De hecho, The Batman toca muchos de los ritmos de The Dark Knight, incluso con algunas escenas que recuerdan lo que creó Nolan. A veces, parece que Reeves está rindiendo homenaje. La voz de Batman de Pattinson también suena como la de Bale en algunos lugares, aunque en otros lugares parece un niño emo deprimido. Realmente nunca vemos su otro lado, hay literalmente una escena con él como Bruce Wayne en público, y queda claro que Wayne no ve sol ni vitamina D.

Y aunque el Acertijo de Dano me recordó al Joker de Ledger, es una amenaza como él, el surgimiento de grupos marginales y la supremacía blanca en los EE. UU. desde que salió El caballero oscuro lo pinta de otra manera. Puedes sentir un elemento de eso en el carácter de Dano y, de alguna manera, The Batman se siente como una respuesta al clima político estadounidense actual.

Cuando Batman comienza a indagar en las víctimas de Riddler, se encuentra con la camarera de un club nocturno y ladrona de gatos Selina Kyle (Zoë Kravitz), nunca se le llama Catwoman en The Batman, aunque en un momento se llama a sí misma Cat, que trabaja para un mafioso de nivel medio. Oz Cobblepot (un Colin Farrell irreconocible), que a su vez trabaja para el señor del crimen Carmine Falcone (John Turturro). Selina protege a su gente como Batman, pero ha visto más vida que él y, por lo tanto, está dispuesta a cruzar líneas que él no. Hay un poco de un juego de moralidad entre los dos. Selina también es la principal responsable del poco humor que hay aquí. A pesar de sus propios problemas en la vida, no está por encima de disfrutar la vida mientras crea problemas para los demás. Pero Kravitz va y viene de The Batman, a pesar de que ella es la segunda facturada.

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Robert Pattinson como Batman, Jeffrey Wright como Jim Gordon en The Batman
Crédito de la foto: Jonathan Olley/DC Comics

Jeffrey Wright, que interpreta al teniente del Departamento de Policía de Gotham City, Jim Gordon, ocupa el cuarto lugar, pero creo que tiene más tiempo de pantalla en The Batman que Kravitz. Tal vez sea porque está mucho con Batman. Su relación ya está completamente formada al comienzo de The Batman: la Batiseñal ya existe, y Jim lleva a Batman a las escenas del crimen a pesar de que sus subordinados y sus superiores no están contentos con eso. (¿Cómo no lo suspenden? Debe ser un muy buen policía, supongo). Aunque nunca se dice en la película, el material de marketing de la película ha revelado que este es el segundo año en que Wayne es Batman. Reeves no se molesta con una historia de origen aquí como Spider-Man: Homecoming.

Puedes sentir eso en las secuencias de acción de The Batman. El Batman de Pattinson es más crudo y enojado en sus escenas de puñetazos: aún tiene que dominar sus emociones, aunque la película revela que no siempre se deja llevar por sus emociones. Está pasando algo más inquietante. Sin embargo, hablando de acción, no hay muchas escenas importantes en The Batman dado el énfasis en las habilidades de detective de Wayne, excepto por una apasionante persecución en la carretera entre Batman y Penguin que ha sido objeto de burlas en los tráilers. (La presentación de la opción de transporte favorita de Batman es emocionante).

Lo mismo, apasionante, se puede decir de los primeros 120 minutos de The Batman, pero Reeves y compañía no logran llevar la película a mayores alturas a partir de ahí. Hay mucho drama que no funciona, especialmente cuando Batman comienza a indagar en los secretos de su familia. Y a medida que la película termina, The Batman intenta impartir mensajes que nunca le molestaron hasta ese momento. Se nos muestra lo que sienten los ladrones por él (miedo a que aceche en las sombras), lo que sienten los policías por él (no confían en él), pero nunca obtenemos un retrato de cómo se siente el público común (a pesar de obtener más información). de un noticiero). Es por eso que cuando The Batman intenta mostrarlo progresando hacia un símbolo de esperanza en su juego final, suena un poco vacío porque nunca se estableció un punto de partida.

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Zoë Kravitz como Selina Kyle, Robert Pattinson como Batman en The Batman
Crédito de la foto: Jonathan Olley/DC Comics

Pero The Batman incluso existe en su forma actual gracias al enfoque flexible de DC para sus historias, a diferencia de la política de Marvel de tener todo como parte de su gran multiverso. (The Batman no es parte del Universo Extendido de DC que involucra películas como Liga de la Justicia, Mujer Maravillay aquamán.) Por supuesto, el hecho de que no esté conectado a un universo no significa que sea independiente. Esta ya no es la era de Nolan. Batman ya tiene dos spin-offs en juego en HBO Max, el servicio de transmisión propiedad de la empresa matriz de Warner, y aunque pueden parecer obligaciones contractuales en la era de la propiedad intelectual, Reeves afirma que en realidad está entusiasmado con ellos.

El comienzo de este Batman-verse está pidiendo mucho a la audiencia habitual, y tal vez eso sea algo bueno. Porque The Batman se siente como un gran logro dado el clima saturado de cómics en el que vivimos, y una decepción porque lucha por conservar su identidad y flexionar más de unos pocos músculos. El Batman de Pattinson no está completamente formado aquí, y parece que tampoco lo está la visión de Reeves.

The Batman se estrena el viernes 4 de marzo en los cines de todo el mundo. Las vistas previas de IMAX comenzaron la mañana del jueves 3 de marzo. En India, The Batman está disponible en inglés, hindi, tamil y telugu.

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Turning Red Review: la película sobre la pubertad de Pixar señala los dolores de crecimiento de la próxima generación del estudio

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Turning Red, que se estrena el viernes en Disney+ y Disney+ Hotstar, es solo el tercer esfuerzo original en los 27 años de historia de Pixar de lanzar películas centradas en un personaje femenino. (Un par de secuelas o spin-offs entran en el grupo, lo que hace un total de cinco de 25 películas. Las otras 20 son dirigidas por hombres). Turning Red es responsable de una primicia aún más grande de Pixar detrás de escena, con la directora Domee Shi, ganadora del Oscar por su cortometraje Bao de 2018, estrenado frente a Incredibles 2 en los cines, siendo la primera mujer en dirigir exclusivamente una película de Pixar. (Antes de esto, Brenda Chapman de Brave tenía el honor exclusivo de ser una directora de largometraje de Pixar. Brave es uno de esos otros dos esfuerzos originales antes mencionados). Está claro entonces que Pixar, o tal vez la animación en general, tiene una gran necesidad. de una corrección del desequilibrio, incluso más que el resto de Hollywood.

Y gracias a su perspectiva femenina: Shi escribió el guión de Turning Red junto con la dramaturga y guionista de televisión Julia Cho (Halt and Catch Fire), basado en una historia diseñada por Shi, Cho y la creadora de The Wilds, Sarah Streicher: la mayoría de edad La comedia animada de secundaria se adentra en un territorio prácticamente desconocido para una película de Pixar. En un nivel, Turning Red trata sobre una niña de 13 años que lidia con la pubertad y la adolescencia, mientras su cuerpo que cambia rápidamente la asusta y la asusta. Pero en otro nivel, Turning Red ofrece comentarios sobre el clásico comentario de misoginia: las mujeres son demasiado emocionales. A la joven protagonista de la nueva película de Pixar se le dice repetidamente que “contenga su energía”, y los personajes alegan que sería “imposible contener el lado oscuro” si muestra demasiadas emociones.

También hay diversidad y un par de primicias más en otras vías. Turning Red es la primera película de Pixar con un personaje chino, y solo la segunda con un personaje asiático, después de Russell en Up, ganadora del Oscar en 2009. Y afortunadamente, su identidad no se explica en detalle, simplemente son. Turning Red también es el primero que se lleva a cabo en Canadá, pero aunque se verifica el multiculturalismo de Toronto, nunca se explora de manera significativa. De hecho, todos los personajes secundarios quedan muy poco desarrollados, ya sea Maitreyi Ramakrishnan (Never Have I Ever de Netflix) como el amigo indio-canadiense del protagonista que tiene un puñado de líneas, o el artista del guión gráfico de Pixar Hyein Park como el amigo coreano-canadiense animado. quien hace beatbox. La diversidad de Turning Red debería haber significado más que inclusiones superficiales.

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Ambientada en Toronto a principios de la década de 2000, Shi se está alejando de su propia infancia, Turning Red sigue a Meilin “Mei” Lee (Rosalie Chiang), una enérgica y exitosa niña de 13 años que lo quiere todo. Siendo descendiente de asiáticos, Mei ha sido criada con una regla sacrosanta: honra a tu familia. Eso significa priorizar los deberes familiares sobre todo lo demás, incluido pasar un buen rato con sus amigas, Miriam (Ava Morse), que es caucásica, y las mencionadas Priya (Ramakrishnan) y Abby (Park). Pero Mei también es una adolescente. Sus amigos y ella están obsesionados con 4*Town, un equivalente ficticio de las bandas de chicos NSYNC y Backstreet Boys. (Billie Eilish y su hermano Finneas O’Connell brindan canciones pop pegadizas para Turning Red, que sirven como banda sonora de las chicas y, en última instancia, como base emocional de la película).

Entonces, cuando las chicas descubren que la gira 4*Town vendrá a Toronto, es un gran problema, y ​​​​un problema aún mayor. Mei y sus amigos saben que sus padres no los dejarán ir y, por lo tanto, deben encontrar la manera de recaudar el dinero que necesitan, que es mucho, por su cuenta. Pero para Mei, ese está lejos de ser el único desafío. Una buena mañana, cuando sus hormonas comienzan a tomar el control, Mei descubre que se convierte en un panda rojo gigante cada vez que se emociona demasiado. (Este es el significado literal del título de la película). Mei se entera de que está unido al legado de su familia, y así es como aparece el otro personaje principal de Turning Red: la madre de Mei, madre del helicóptero, Ming Lee (Sandra Oh), quien, en sus propias palabras , observa a Lee como un halcón. Mei, asustada, recurre a su madre en busca de ayuda, quien le dice que la única forma de controlarlo es contenerlo.

En este momento, Mei está completamente a bordo, ya que todo lo que quiere en la vida en este momento es asistir al concierto de 4*Town. Y ella no puede hacer eso como un panda rojo gigante después de todo. En Turning Red, Shi hace bien en capturar la vergüenza muy identificable de los años de la adolescencia, haciendo justicia al significado metafórico del título de la película, y las primeras escenas capturan muy bien la vergüenza y la incomodidad que todos hemos sentido en múltiples momentos de nuestra adolescencia. vive. (Turning Red también le da un giro divertido a algunos elementos de memoria. Mei y su madre realmente están limpiando, lo que se convierte en un montaje hilarante).

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Sandra Oh como Ming Lee, Rosalie Chiang como Mei en Turning Red
Crédito de la foto: Disney/Pixar

Turning Red se aferra a algunas ideas, incluida esa sensación de nunca ser lo suficientemente bueno para tus padres y nunca poder alcanzar los estándares que se consideran para ti. Muestra el impacto multigeneracional de lo que puede dejar un credo como “honra a tu familia”, pero no se le otorga el tiempo y la profundidad necesarios. Además de eso, el segundo acto de Turning Red no logra agregarlo de manera significativa, con Shi y compañía incapaces de expandir sus temas en las formas generalmente resonantes de Pixar de antaño. Y luego, el final de Turning Red empuja a un territorio más orientado a la acción y la fantasía que no se suma a sus latidos emocionales. Las líneas de cierre (voz en off) de la película transmiten su mensaje de manera sucinta, pero necesitaba mostrar eso en lugar de simplemente volcarlo en nuestras cabezas al final.

Es una señal de una película que necesitaba más reescrituras y tiempo en el horno: Turning Red es un tiempo agradable de 90 minutos, pero en general es un esfuerzo menor de Pixar. Y la falta de profundidad es una señal de que Shi lucha por dar el gran salto de los cortometrajes a los proyectos de largometraje. También es un golpe para Pixar, ya que Shi es la única mujer destacada entre la próxima generación de cineastas internos que sigue siendo un entorno dominado por hombres.

Shi pasó años como parte del “Equipo creativo sénior” de Pixar antes de recibir su primer largometraje, junto a personajes como Enrico Casarosa, quien hizo su debut cinematográfico en la aventura italiana Riveira. Lucas el año pasado, y Angus MacLane, quien después de codirigir Buscando a Dory, obtiene una oportunidad en solitario con la precuela de Toy Story Año luz después en este año. Están destinados a tomar el relevo de los veteranos de Pixar como Pete Docter, Andrew Stanton y Lee Unkrich, el veterano Docter hizo la última gran película de Pixar, Soul, por lo que todavía están presentes, pero no todo va bien. Mientras que algunos han tenido problemas como Shi, otros se han ido para seguir sus carreras en otros lugares después de un golpe. Los dolores de crecimiento continúan con Turning Red.

Turning Red se estrena el viernes 11 de marzo en Disney+ y Disney+ Hotstar. En India, Turning Red está disponible en inglés, hindi, tamil, telugu y malayalam. En países sin Disney+, Turning Red está disponible en los cines.

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Reseña de la película The Adam Project: El truco de Ryan Reynolds se ha vuelto viejo rápidamente

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El Proyecto Adam, que se estrena el viernes en Netflix, es sin duda un vehículo de Ryan Reynolds. En los años transcurridos desde el megaéxito de su personaje de Deadpool, quedó claro lo que eso significa. Los personajes de Reynolds siempre hablan rápido. Ellos salpican la película con zingers, burlas y comentarios sarcásticos. Y socavan la tensión dramática con frases ingeniosas, ya sea durante conversaciones o secuencias de acción. Reynolds básicamente se interpreta a sí mismo en todas las películas en estos días. O más bien la versión en pantalla de “Ryan Reynolds”. (No conozco a Reynolds, así que no puedo decir cómo es en privado). En The Adam Project, gracias al viaje en el tiempo, tenemos dos de ellos con el debutante Walker Scobell interpretando una versión más joven del personaje de Reynolds, que significa que el niño tiene que jugar una versión mini de “Reynolds”.

Scobell hace un buen trabajo como mini-Reynolds, imagino que es por eso que fue elegido entre los que audicionaron para el papel, pero a pesar de los constantes intentos de Reynolds, The Adam Project es divertido muy rara vez. Al momento de escribir, solo han pasado dos días desde que vi la nueva película de Netflix y no puedo recordar una sola broma. Eso dice mucho. De hecho, no estoy seguro de haber recordado nada sobre The Adam Project si no hubiera tomado notas para esta revisión y no hubiera tenido que reflexionar activamente sobre ello para dicha revisión. En pocas palabras, la nueva película de Reynolds es muy olvidable. Tiene una banda sonora genérica (de Rob Simonsen, anteriormente Ghostbusters: Afterlife) y una historia genérica que intercambia tropos y clichés de Hollywood que hemos visto cientos de veces antes. Nada es único aquí.

Después de todo, The Adam Project ha estado a la vuelta de la esquina. Una versión del guión ha estado circulando por Hollywood durante un tiempo, con TS Nowlin (Maze Runner: The Death Cure) entregando el borrador inicial. Tom Cruise se unió a la película cuando se puso en desarrollo por primera vez hace una década. Pero se quedó en el camino, antes de que Netflix lo recogiera hace menos de dos años. (Netflix, el hogar de películas olvidables.) Los co-creadores de Big Mouth, Jennifer Flackett y Mark Levin, habían hecho un pase en el guión para entonces, con alma en pena el creador Jonathan Tropper responsable de la versión final, que ha cobrado vida gracias al director de Free Guy, Shawn Levy, reuniéndose con Reynolds aquí. Por supuesto, Reynolds y su gente deben haber dado su propio giro al diálogo, como siempre lo hacen.

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Demasiados cocineros echan a perder el caldo, sí, pero el mayor problema del caldo que ha llegado a la pantalla es la falta de paciencia. Adam Project tiene una duración de menos de 100 minutos sin créditos, y eso no es tiempo suficiente para incluir media docena de secuencias de acción junto con el desarrollo narrativo y de personajes. Tenemos un niño (Scobell) que sufre la pérdida de un padre y un hombre (Reynolds) que intenta arreglar su futuro y encontrar a su esposa. Pero todo es demasiado apresurado para que los ritmos emocionales funcionen. La nueva película de Netflix se ralentiza lo suficiente solo una vez, y esa es probablemente la mejor escena. Pero por lo demás, The Adam Project no tiene escalofríos.

En 2050, Adam Reed (Reynolds), de 40 años, roba un jet y salta a través del tiempo a través de un agujero de gusano para salvarse. Corte al día de hoy, donde Adam (Scobell), de 12 años, es golpeado y suspendido de la escuela; es probable que esté actuando debido a la muerte de su padre Louis Reed (Mark Ruffalo) hace un par de años, lo que en gran medida resulta en dar su madre Ellie Reed (Jennifer Garner, en un papel ingrato) mucho dolor todo el tiempo. Una noche, cuando Ellie tiene una cita, el joven Adam escucha ruidos en el patio trasero y descubre a un hombre herido (Reynolds) que irrumpió en el cobertizo de su padre. Después de recoger algunas pistas, incluido un perro llamado Hawking, que extrañamente no juega un papel más importante en la película, pronto se da cuenta de que el invitado inesperado es él, del futuro.

Big Adam le dice a su yo más joven que cronometró mal su salto. Tenía la intención de volver a 2018 mientras intentaba salvar a su esposa Laura Shane (Zoe Saldaña) en el pasado. El Proyecto Adam incluye una gran cantidad de palabras de moda científicas y pseudocientíficas para explicar lo que está sucediendo, las preocupaciones que podría tener un subconjunto de espectadores y cómo la reunión de Big Adam y Young Adam podría cambiar las cosas. Pero todo es un desperdicio, completamente innecesario, y me desconecté cada vez que sucedió. Nada de lo que postula es una idea nueva de todos modos. Solo usa ese tiempo en tus personajes hermano, no quiero nada de esto. De todos modos, después de todo ese parloteo, la misión de Big Adam termina siendo sacrificada por un propósito mayor: cuando descubre una conspiración que está conectada con su familia en más de un sentido.

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Walker Scobell como Young Adam, Jennifer Garner como Ellie Reed en The Adam Project
Crédito de la foto: Doane Gregory/Netflix

La dinámica entre Reynolds y Scobell se presta a una diversión fácil y alegre en The Adam Project desde el principio. Ambos tienen una gran boca que hace que su relación sea conflictiva desde el principio. El joven Adam sigue revisando las cosas de su yo mayor a pesar de que Big Adam le dice que no lo haga. Entre dichas cosas, está lo que claramente es una estafa del sable de luz. (El Proyecto Adam no trata de rehuir el hecho de que Reynolds esencialmente empuña un sable de luz de doble hoja). Mientras tanto, Big Adam menosprecia a Young Adam porque despreciaba este momento de su vida, y el niño no hágase un favor a sí mismo: tiene los mismos pensamientos pueriles que todos los preadolescentes o adolescentes. Sin embargo, en otros lugares, el joven Adam se muestra sabio más allá de su edad. Y gracias al beneficio del tiempo, Big Adam imparte sabiduría emocional a su yo joven y a su madre.

Hablando de la madre, Garner no tiene suficiente que hacer en The Adam Project. Es difícil ser madre soltera, más aún cuando has perdido a tu esposo recientemente y tu hijo se está desquitando contigo, pero la película no tiene tiempo para eso. Está dedicado principalmente a la perspectiva de Adam y su padre, con la madre obteniendo solo una escena agradable. De hecho, todos los personajes femeninos reciben poca atención en The Adam Project. Saldaña entra en la película media hora más o menos y desaparece en los siguientes 20 minutos. Y el villano de la película es poco interesante e inútil: Catherine Keener también es víctima de una tecnología de envejecimiento digital muy pobre. El Proyecto Adam sufre de CGI poco convincente en otros lugares, con sus secuaces sin rostro similares a Stormtroopers, si continúo con la referencia a Star Wars, aunque la película de Netflix nunca conecta los puntos.

Contribuyen a un par de secuencias de acción geniales, donde la coreografía es coherente y no demasiado Michael Bay-ey, aunque desearía que hubieran optado por tomas más largas. Pero el gran escenario culminante de The Adam Project no tiene ningún sentido. Cae en la trampa de ir a lo grande por el hecho de ir a lo grande, sin molestarse en pensar realmente en ello. Ojalá lo hubieran eliminado por completo.

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Zoe Saldaña como Laura Shane, Ryan Reynolds como Big Adam en The Adam Project
Crédito de la foto: Doane Gregory/Netflix

De alguna manera, siento lo mismo por The Adam Project en general. Es una película poco graciosa que se olvida instantáneamente que juega demasiado a la segura y dice las mismas viejas cosas sobre la crianza de los hijos. Reynolds está en una posición similar. Parece haber alcanzado su punto máximo interpretándose a sí mismo, aunque Deadpool 3 aún está por llegar, hay al menos dos secuelas de Red Notice junto a Dwayne Johnson y Gal Gadot, y no me extrañaría que Netflix vea The Adam Project como una “franquicia”. inicio”. Dios, odio ese término.

Todo esto es el resultado de que Reynolds fue a lo seguro, desde el éxito de Dead pool. (En parte porque Reynolds ha tenido su parte de fracasos). No está dispuesto a entregarse a los directores, razón por la cual simplemente los elige en estos días. En Deadpool 2, el director Tim Miller, quien hizo la primera Dead pool película, fue despedido esencialmente porque su visión no se alineó con la de Reynolds. Miller quería correr riesgos creativos, pero Reynolds estaba feliz de permanecer en su carril.

Desde entonces, Reynolds ha trasladado su personalidad a otros universos, incluido el spin-off de Fast & Furious, Hobbs & Shaw, la película de Pokémon Detective Pikachu (que también estaba destinada a ser el inicio de la franquicia, pero aparentemente fracasó) y la acción de Michael Bay. thriller 6 Underground (otro inicio de franquicia fallido, con Netflix reconociendo que no funcionó).

Y más recientemente, la comedia de acción de videojuegos Free Guy (que ha recibido luz verde para una secuela). Levy se ha convertido en un director de Reynolds, pero ambas colaboraciones son, en última instancia, películas de calorías vacías. Para ser completamente honesto, el truco de Reynolds se ha vuelto obsoleto. Esto tiene que terminar. Pero puse The Adam Project 2 en el universo, ¿así que supongo que uno está en mí?

The Adam Project se estrena el viernes 11 de marzo a la 1:30 p. m. IST en Netflix en todo el mundo.

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Avatar: The Way of Water Review: James Cameron nos da la ‘película de videojuegos’ más grande de la historia

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Avatar: The Way of Water, que ahora se proyecta en los cines de todo el mundo, tiene una tarea gigantesca en sus manos. (Y ni siquiera estoy hablando de la necesidad de la secuela de ganar más de mil millones de dólares en taquilla para obtener ganancias). James Cameron, el director, coguionista, coeditor y coproductor que regresa en la segunda La película Avatar debe demostrarle al público que vale la pena volver a visitar su mundo de Pandora trece años después. El Avatar original fue a la vez un escaparate de cine en 3D y efectos visuales de otro mundo. Uno de ellos está en sus últimas etapas, mientras que los efectos visuales y la escala parecen estar en todas partes en estos días. El espectáculo por sí solo (Cameron tenía poco que ofrecer sobre la historia y los personajes en ese entonces) no puede llevar a Avatar: The Way of Water. Necesita más.

Además, la primera secuela es una audición para más secuelas de Avatar, programadas para estrenarse cada diciembre alterno entre ahora y 2028, una de las cuales ya se filmó, una que tiene un guión y otra con un producto de una idea. Cameron no solo necesita que te inviertas hoy en Avatar: The Way of Water. Tiene que venderte el gran plan que ha estado cocinando durante más de una década. Pero todo eso es discutible si este nuevo capítulo no funciona. (Ahí es donde entran más los aspectos comerciales, con Cameron intentando comprarse una portada antes del lanzamiento, al señalar que está preparado para terminar en la marca de la trilogía en caso de que la nueva película tenga un rendimiento inferior).

Para bien o para mal, Avatar: The Way of Water está diseñado siguiendo las líneas de su predecesor. Está construido estructuralmente como el original, con una fuerte exposición inicial, seguida de una inmersión en una nueva cultura, lo que lleva a una gran confrontación entre la humanidad y los nativos de Pandora. El final es mejor que todo lo que viene antes. Incluso hay devoluciones de llamadas a la primera película, no es que nadie las detecte dada la enorme brecha de tiempo y AvatarLa falta de re-watchability. Y las imágenes de la secuela son primordiales, con Cameron aparentemente invirtiendo más dinero en efectos visuales en ciertas escenas que todo el presupuesto de las películas de Bollywood. Avatar: The Way of Water es una inmersión fascinante en aguas alienígenas, con todos los aspectos del nuevo mundo brillando gloriosamente.

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Pero Avatar: The Way of Water también comparte algunos de los problemas del original. La historia es delgada como el papel, el diálogo es torpe y vergonzoso, la partitura de fondo es completamente olvidable y el desarrollo del personaje es completamente ridículo. Cameron pinta de manera tan amplia con sus temas que te hace preguntarte si está tratando de hacer un punto global o si carece de las habilidades para ser específico. (Está acreditado en el guión junto con el dúo Rick Jaffa y Amanda Silver de Rise of the Planet of the Apes. Otros dos escribas contribuyeron a la historia junto con Jaffa, Silver y Cameron). Avatar El director, conocido por su fascinación con la tecnología cinematográfica, ha tomado una decisión que amenaza con socavarlo todo.

Por razones que no puedo comprender, Cameron ha decidido presentar Avatar: The Way of Water en frecuencias de cuadro variables: estándar de 24 fps y alta frecuencia de cuadro de 48 fps. La mayoría de las escenas de diálogo hacen uso de la primera, mientras que la acción se presenta en la segunda. Sin embargo, a veces, la secuela de Avatar cambia entre los dos sobre la marcha, en la misma escena, en lo que es innecesario y discordante. La mejor manera que he encontrado para describirlo es una computadora económica que lucha con un videojuego de la nueva era y, por lo tanto, pierde marcos para mantener la fidelidad. Cameron cree que esto resuelve el problema de HFR, pero no estoy convencido.

Una década después de los acontecimientos de Avatar, Jake Sully (Sam Worthington) y Neytiri (Zoe Saldaña) están criando a cuatro hijos: el mayor Neteyam (Jamie Flatters), el segundo hijo Lo’ak (Britain Dalton), el adoptado Kiri (Sigourney Weaver) y el menor Tuk (Trinity Jo- Li dicha). Un quinto, un niño araña humano (Jack Champion), también forma parte de la pandilla. Pero su felicidad familiar se hace añicos cuando la “Gente del Cielo” regresa y establece una nueva base de operaciones masiva en un tiempo récord. Con Jake y compañía siendo un dolor constante en el fondo para los humanos, el comandante a cargo, el general Ardmore (Edie Falco), resucita al viejo villano, el coronel Quaritch (Stephen Lang) y su compañía, poniendo sus recuerdos en cuerpos de Avatar. .

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Kate Winslet como Ronal, Cliff Curtis como Tonowari, ambos del clan Metkayina, en Avatar: The Way of Water
Crédito de la foto: Disney/20th Century Studios

Al darse cuenta de que él y su familia tienen un objetivo en la espalda, Jake decide que deben abandonar su hogar adoptivo del bosque y buscar refugio con Metkayina, el Clan del Arrecife, en un grupo de islas. Todos y todo lo relacionado con Omaticaya, el Clan del Bosque, se descarta excepto por Neytiri. Es un reinicio inteligente en algunos aspectos, ya que tanto los protagonistas como el público se ven envueltos en un mundo nuevo. Durante casi 45 minutos después de que los Sully llegan a las aguas, Avatar: The Way of Water se convierte en una mezcla de exposición, maravillas oceánicas y personajes que se adaptan a su nuevo entorno. Es el segundo arco más largo de su tipo que he visto en años en una película de gran éxito, aunque en parte se debe a que Cameron no tiene una trama real que ofrecer.

En el camino, Avatar: The Way of Water intenta navegar sobre lo que quiere ser la secuela. Cameron ha señalado que escribió el guión de la primera Avatar allá por 1995 cuando apenas era padre. Habiendo comenzado la segunda Avatar en 2012, como padre de varios hijos adolescentes, incorporó más miembros de la familia a la historia. Pero las intenciones no garantizan los resultados. Los puntos de vista de Cameron sobre la familia son tradicionales y su exploración es superficial. Su descripción de los adolescentes no tiene nada de especial: se rebelan, discuten y se meten en problemas. Diablos, son secuestrados con tanta frecuencia que la película finalmente se inclina hacia el humor autorreferencial. (Dicho esto, la película no es tan divertida. Está más interesada en sorprenderte y presionar tus botones emocionales).

Los intentos de comentario de Cameron tienen más éxito. Con la primera película, el Avatar El escritor y director estaba haciendo una película posterior al 11-S en Irak y Afganistán de alguna manera, además de estar inspirado por mil otras cosas, desde pocahontas a la princesa Mononoke, y de la literatura cyberpunk a los dioses hindúes. Avatar: The Way of Water no se basa en el intervencionismo estadounidense, ya sea la ocupación fallida de Afganistán durante 20 años por parte de EE. UU., los esfuerzos fallidos de construcción de la nación en los años de Bush y Obama, o la desastrosa retirada bajo la administración Biden.

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Un tulkun, una criatura marina parecida a una ballena, en Avatar: The Way of Water
Crédito de la foto: Disney/20th Century Studios

Lo más cercano a lo nuevo Avatar La película trata de hacer cualquier comentario significativo sobre la actitud de la humanidad hacia otras formas de vida. (En Avatar: The Way of Water, se dice que la Tierra está desolada con la humanidad que necesita un nuevo hogar). Hemos cazado especies tras especies hasta casi la extinción, algunas se han perdido para siempre, y aunque los esfuerzos de conservación han producido resultados En los últimos años, los científicos advierten que estamos en una sexta extinción masiva impulsada por la actividad humana. Y Cameron esboza nuestras prácticas inhumanas en un lienzo IMAX, con una larga y desgarradora escena que representa la matanza de un mamífero marino muy inteligente.

Cameron pasa tanto tiempo con estas criaturas de Pandora que uno de ellos se convierte en el “héroe” en el bullicioso, aunque repetitivo en partes, tercer acto de Avatar: The Way of Water. Fue la primera vez en un cine que escuché a la audiencia aplaudir las dotes de acción y la inteligencia de una criatura marina en el campo de batalla. (Toma eso, aquamán.) Ese golpe final es parte de la nueva Avatar El mejor tramo de la película, ya que se mueve con rapidez y fluidez entre las superficies, mostrando una fluidez y una comprensión de la coreografía de las que carecía el clímax oceánico de Black Panther: Wakanda Forever. Durante partes de ese tramo final, la adopción de la tecnología por parte de Cameron se encuentra con su apogeo en Terminator 2, inundándote de maneras que son casi suficientes para hacerte ver más allá de las fallas de la película.

En esos momentos, la presentación HFR de 48 fps funciona en Avatar: The Way of Water’s favor. Pero aunque la calidad de VFX ha recorrido un largo camino desde los días de Avatar — el original no ha envejecido bien y al ver la película hoy, mucho se siente falso — existen problemas. Es prácticamente imposible saber qué es real y qué es falso en el entorno de Cameron. Toda la película se siente como CGI, ya sea el cielo, el agua, las criaturas, los barcos de guerra e incluso los personajes (cuyas actuaciones se basan en la captura de movimiento).

Claro, técnicamente podría ser una película de acción en vivo, pero es más parecida a El rey León reiniciar. Excepto que se renderizó como una película (24 fps). Avatar: The Way of Water está más cerca de un juego de PS5 de la nueva era, ya que solo estoy acostumbrado a ver imágenes tan fluidas en dicho medio. Y esa sensación de que estás viendo 192 minutos de escenas de videojuegos se ve acentuada por el constante cambio de velocidad de fotogramas y la cinematografía de Russell Carpenter (que emplea zooms rápidos). Avatar: The Way of Water es, en cierto modo, la “película de videojuegos” más grande y cara del mundo.

Y podríamos estar viendo tres más como este, todos con Jake Sully contra el Coronel Quaritch. Oh, Eywa.

Avatar: The Way of Water se lanza el viernes 16 de diciembre en todo el mundo. En India, la segunda película de Avatar está disponible en inglés, hindi, tamil, telugu, malayalam y kannada.

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Revisión de Top Gun Maverick: la película de Tom Cruise se eleva sobre la original, con advertencias

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Top Gun: Maverick, que se estrena el viernes en los cines de todo el mundo, es una verdadera película de Tom Cruise. Por un lado, su personaje, el sabelotodo Capitán Pete “Maverick” Mitchell, está justo ahí en el título. Y los dos mucho más importantes, es la potencia estelar de Cruise la responsable de la existencia de Top Gun: Maverick. Aquí hay una secuela, más de tres décadas después, de una película mucho más pobre de lo que la mayoría está dispuesta a admitir. Top Gun tampoco ha envejecido bien, pero Cruise definitivamente sí. Es el actor más grande de su tipo actualmente en Hollywood. El director de Top Gun: Maverick, Joseph Kosinski (Tron: Legacy), comprende ambas facetas (el encanto y el poder de Cruise y los fracasos de la película original) y ofrece una continuación que es mejor en la mayoría de los departamentos. Aunque es cierto que Kosinski está superando una barra baja.

Por ejemplo, a diferencia del original, en el que los pilotos de combate recién graduados tenían una misión ridícula para formar el grandilocuente tercer acto de la película, Top Gun: Maverick tiene que ver con una misión ridícula. Desde el comienzo. Maverick y sus superiores en TOPGUN profundizan en los detalles más pequeños una y otra vez, entrenando no solo a sus alumnos, sino también a la audiencia de alguna manera. Al final de Top Gun: Maverick, sabemos exactamente cuál es la misión, aunque nunca tendremos idea de cómo es volarla. Eso demuestra que Kosinski sabe de qué se trata Top Gun: Maverick, aunque el enfoque láser también lo perjudica en otras secciones.

Por supuesto, para lo que muchos están aquí es para la acción. Y la nueva película de Top Gun cumple con creces. De hecho, Top Gun: Maverick no comienza con su crucero estelar, sino con un alarde naval. Kosinski esencialmente está creando el ambiente. Y cuando estamos en el aire con Maverick y compañía, la cámara no recorta el rostro de Cruise mientras despegamos. Al igual que con Misión: Imposible, este es un testimonio de la dedicación de Cruise para realizar sus propias acrobacias. Incluso con los otros actores, todos los cuales tuvieron que manejar la iluminación y la cinematografía por su cuenta, ya que no hay espacio para nadie más, está claro que Top Gun: Maverick filmó la mayor parte, si no toda, su acción dentro de cabinas reales y con cielos reales como telón de fondo, en lugar de caer en imágenes CGI de las que son culpables la mayoría de las películas.

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Como resultado, la acción de alto vuelo es tanto legible como impresionante. (Si va a ver Top Gun: Maverick, le recomendaría que lo haga en la pantalla más grande posible. Preferiblemente una IMAX). misión. Gran parte de la fuerza de propulsión de las secuencias de acción se debe a los aviones que vuelan tan cerca del suelo y entre sí (estoy bastante seguro de que los dispararía en el mundo real) en combinación con interminables giros, giros y otras maniobras emocionantes. Kosinski transfiere su ojo para el estilo y la energía cinética, como se ve en Tron: Legacy, a Top Gun: Maverick, imbuyendo la película con pura alegría y una ráfaga de adrenalina.

Pero fuera de la cabina, Top Gun: Maverick es un acto de equilibrio mucho más delicado, y no siempre aterriza. Kosinski dirige un guión en el que han trabajado tres escritores acreditados, incluidos Ehren Kruger (Transformers: El lado oscuro de la luna y La era de la extinción) y Eric Warren Singer (La gran estafa americana) como equipo principal, con Christopher McQuarrie (Misión: Imposible – Fallout), en quien Cruise confía ahora en la franquicia M:I, también presta su talento. Top Gun: Maverick se siente atrapado entre ser un éxito de taquilla de verano estadounidense escapista y una película sincera de alto riesgo y emociones profundas.

La nueva película Top Gun es una película muy diferente de la original, que pertenecía a una época anterior y hablaba de una América diferente. No hay escenas de ducha, no hay hombres caminando en toallas y, por lo tanto, no hay homoerotismo involuntario. La escena del voleibol se convierte en un partido de fútbol americano y, aunque hay muchos hombres sin camisa, tiene una función narrativa. Top Gun: Maverick tampoco es una película tradicional de Tom Cruise, donde corre (mucho), se pelea a puñetazos y muestra su sonrisa. Aunque sus escenas con Jennifer Connelly, quien interpreta al nuevo interés amoroso, ofrecen un poco de lo último. (Además de una ubicación flagrante para una marca de automóviles bastante famosa).

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Jennifer Connelly en Top Gun: Maverick
Crédito de la foto: Scott Garfield/Paramount Pictures

Treinta y seis años después de graduarse de TOPGUN como el segundo mejor de su clase, Maverick (Crucero), que siempre quiso estar en el cielo, ha hecho todo lo posible para sabotear su carrera y mantenerse en el rango de Capitán. Como señala su superior Cain (Ed Harris), debería ser al menos un almirante de dos estrellas, si no un senador a estas alturas. Castigado por Cain por un truco que hizo para mantener a su equipo en sus trabajos (Cain cree que los pilotos humanos son historia), a Maverick se le asigna su nueva y última misión. Después de eso, está fuera. Pero para su sorpresa, se supone que no debe volarlo. En cambio, su nuevo superior Cyclone (Jon Hamm) quiere que le enseñe lo mejor de lo mejor, que han sido llamados de regreso a TOPGUN desde los escuadrones a los que fueron asignados.

Entre ellos, tenemos a Bradley “Rooster” Bradshaw (Miles Teller), el hijo del difunto mejor amigo de Maverick, Nick “Goose” Bradshaw, quien murió en Top Gun. Está claro que Maverick todavía se siente culpable por la muerte de Goose, sus acciones tuvieron un papel que desempeñar en el accidente que cobró la vida de Goose, y eso ha impactado para siempre su relación de pseudo-padre con Rooster. El equipo de jóvenes también incluye al arrogante Hangman (Glen Powell), un equivalente, o podría decirse una mezcla, tanto de Maverick como de su antiguo rival Iceman (Val Kilmer), ahora un almirante de cuatro estrellas que es el único amigo de Maverick. en la Marina. Hay un montón de otros pilotos, interpretados como Lewis Pullman, Monica Barbaro, Jay Ellis y Danny Ramirez, pero ninguno de ellos tiene características definitorias o un arco más allá de un punto.

Hablando de personajes poco escritos, Connelly interpreta a la madre soltera y dueña de un bar, Penny, de quien se nos dice que tiene una historia romántica con Maverick. No hay señales del interés amoroso original de Top Gun, interpretado por Kelly McGillis, quien también fue instructora de Maverick. De hecho, las mujeres tienen un papel insignificante en posiciones de poder en Top Gun: Maverick. Por lo que vale, Penny instruye a Maverick en una escena de navegación inesperada. Pero más allá de esos dos minutos, su personaje realmente no tiene nada de carne, y su relación sigue golpeando los mismos ritmos y es muy predecible a dónde va. A pesar de los mejores esfuerzos de Connelly para convertir a Penny en una verdadera mujer en 3D, está perdida en Top Gun: Maverick.

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Miles Teller en Top Gun: Maverick
Crédito de la foto: Scott Garfield/Paramount Pictures

Sin embargo, lo que la nueva película de Top Gun hace bien en representar es el material de TOPGUN. Kosinski y compañía no solo controlan la acción y cómo se desarrolla, sino que hay un trasfondo de tensión en la raíz de todo en Top Gun: Maverick. Naturalmente, hay tensión entre Maverick y Rooster, aunque este último lo desprecia más por otra cosa. Hay tensión entre Maverick y sus superiores. (La relación entre los personajes de Hamm y Cruise, Cyclone expresa lo que quiere y luego Maverick se sale con la suya, se siente como un comentario sobre la relación de Cruise con Paramount). todos, una vez que lo ven operando un jet.

Además de todo eso, están trabajando contrarreloj en Top Gun: Maverick. No solo deben ejecutar la misión en menos de tres semanas antes de que una planta de enriquecimiento de uranio entre en funcionamiento, sino que también deben entrar y salir en minutos para evitar peligrosos combates aéreos con una fuerza enemiga altamente equipada. Maverick no se siente calificado para enseñar (su última etapa como instructor de TOPGUN duró 2 meses, nos dice desde el principio) y es el tipo de persona que preferiría arriesgarse a enviar a alguien más a una misión mortal. Mientras lucha por reducir algunos de sus excesos, Maverick crece en otra parte. Por ejemplo, cuando sus aprendices se equivocan y tratan de explicarse, los reprende recordándoles que tendrán que enfrentarse a las familias de los compañeros a los que fallan.

Si bien mejora el original en la mayoría de los aspectos, Top Gun: Maverick también es completamente igual en uno. Al igual que con el original, esta es una película donde el enemigo no importa. Sus pilotos no tienen rostro, y aunque sus aviones y terreno ofrecen pistas, Top Gun: Maverick tiene cuidado de no nombrarlos nunca. Sus aviones son llamados repetidamente “cazas de quinta generación” a pesar de que son un bocado. Los espectadores entusiastas ya se han dado cuenta de que están diseñados en el Sukhoi Su-57 de Rusia. Los detalles de la misión, y la participación de otros aviones, sugieren que el objetivo podría ser Irán. Pero Top Gun: Maverick elige ser completamente apolítico. Dicho esto, las banderas de Japón y la República de China que faltaban en la chaqueta de bombardero de Maverick, reemplazadas en la provocación inicial de la película para apaciguar los intereses chinos, se han restablecido ahora que esos intereses ya no importan.

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Jon Hamm en Top Gun: Maverick
Crédito de la foto: Scott Garfield/Paramount Pictures

Sin embargo, la pregunta más importante para esta película de Tom Cruise podría estar completamente fuera de la pantalla. Las dos películas de Top Gun, con 36 años de diferencia, se han estrenado en mercados teatrales muy diferentes. Al principio de Top Gun: Maverick, Ed Harris postula que los gustos de Maverick son dinosaurios, con tecnología preparada para reemplazarlos. De manera similar, las películas en la pantalla grande son dinosaurios. En el tiempo transcurrido desde el primer Top Gun, la tecnología ha invadido las películas de muchas maneras.

No solo en su elaboración y en cómo se incorporan las interpretaciones de los actores, sino también en cómo se estrenan. Las cámaras ahora también están en todas partes. Como señaló una vez Kosinski, si el público puede obtener imágenes de aviones de combate, capturadas por pilotos reales de la Marina de los EE. UU., en YouTube, entonces su película tendría que ir mucho más allá. (Locamente terminó filmando 800 horas de metraje, más que la trilogía de El Señor de los Anillos). Top Gun: Maverick cumple en ese sentido, aunque también tropieza fuera de su ritmo.

En cierto modo, es un milagro. Una secuela de una película de hace décadas que nadie pidió podría haberse colapsado y quemado fácilmente, y aún podría ser ignorada, como resultó ser el caso de Blade Runner 2049. Ese Top Gun: Maverick funciona tan bien como él. lo que hace, en su mayor parte, es felicitaciones a Cruise y Kosinski por comprender la tarea. Es una apuesta que vale la pena en gran medida, aunque no es nada en comparación con el Top Gun de ensueño: Maverick te vende.

Top Gun: Maverick se estrena el viernes 27 de mayo en los cines de todo el mundo. Las vistas previas pagas comenzaron el miércoles 25 de mayo en India y en otros lugares. En India, Top Gun: Maverick está disponible en inglés, hindi, tamil y telugu.

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Revisión de Stranger Things 4: Demasiado grande para su propio bien

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Stranger Things 4, que ahora se transmite en Netflix, es más grande que antes, eso es seguro. Casi todos los capítulos del Volumen 1 de siete episodios duran más de 70 minutos, y el episodio 7 de la temporada 4 de Stranger Things registra una duración de 100 minutos. Gracias a la brecha de tres años entre temporadas, los niños son más adultos que nunca. Puedo imaginar a algunos espectadores sorprendidos por cómo algunos de los actores han superado a sus personajes. Son tan visiblemente más grandes que Stranger Things 4 termina usando tecnología antienvejecimiento en adolescentes para escenas retrospectivas, generalmente una táctica reservada para actores mayores como Robert De Niro en The Irishman o Samuel L. Jackson en capitana maravilla. Si bien revisita algunos viejos horrores en algunos lugares, Stranger Things 4 también nos arroja más monstruos CGI.

Pero al tratar de ser más grande, más espeluznante y más larga que nunca, Stranger Things 4, aún dirigida por los creadores Matt y Ross Duffer, también conocidos como The Duffer Brothers, como escritores principales y directores principales, termina sintiéndose como un género estándar de su tipo. . Sin embargo, el mayor problema no es que la nueva temporada de la exitosa serie de Netflix sea formulada. Es que está en falta de alegría y humor. Stranger Things 4 está tan inmerso en las demandas de su trama que olvida lo que hizo que las temporadas anteriores fueran emocionantes. No hay travesuras en los centros comerciales (Stranger Things 3) aquí, ni ninguna nostalgia tipo Cazafantasmas (Stranger Things 2). Los intentos de animar los procedimientos de Stranger Things 4 son pocos y distantes entre sí.

Lo más destacado llega temprano en la temporada, cuando un nuevo personaje se pregunta cómo planean matar a la cosa nueva gigante y amenazante, una vez más inspirada en Dungeons & Dragons, de Upside Down. La participante de la temporada 3, Robin Buckley (Maya Hawke), señala que han pasado por este tipo de cosas antes, y algunas más de una vez, a diferencia de ella. “El mío estaba relacionado con la carne humana, el de ellos estaba relacionado con el humo”, dice Robin. Stranger Things 4 esencialmente se burla de sí mismo y de cómo hay una nueva locura cada temporada. Steve Harrington (Joe Keery) agrega que generalmente confían en esta chica que tiene superpoderes, pero eso ya no se sabe. Para un extraño, la pandilla parece completamente loca. Stranger Things 4 podría haberlo hecho con más de estos momentos autorreferenciales.

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Desafortunadamente, hay problemas más grandes. Debido a las elecciones de escritura hechas esta temporada o la última, algunos personajes tienen muy poco que hacer en Stranger Things 4. Otros están completamente solos o atrapados en tramas secundarias completamente tangenciales. El universo del programa de Netflix se ha expandido mucho, pero en lugar de ser una bendición, es una pesadilla. Stranger Things 4 se siente inconexo como resultado. Lleva un tiempo volver a unir a la pandilla, y esas partes parecen girar las ruedas. No iría tan lejos como para llamarlo un escenario para la quinta y última temporada, pero definitivamente es una exageración. Disfruté partes de Stranger Things 4 y dormí otras partes. Desafortunadamente, este último supera significativamente al primero en gran cantidad.

A veces, parece que Stranger Things 4 está más interesado en subvertir las expectativas de la audiencia que en ofrecer una historia cohesiva donde su conjunto vuelve a estar unido como un todo.

Por supuesto, no ayuda que los episodios sean tan largos. Y aunque el Volumen 1 de siete episodios puede parecer aproximadamente el 80 por ciento del camino hasta la temporada 4, no lo es. Los últimos dos episodios tienen la duración de una película, con el director y productor ejecutivo Shawn Levy revelando que son más largos que las dos películas de Ryan Reynolds, la comedia de acción Free Guy y la aventura de ciencia ficción The Adam Project, que hizo durante Stranger Things. pausa de tres años. Eso significa que el Volumen 1 podría estar más cerca de completar dos tercios. Ese es un final largo. Pero los críticos no tuvieron acceso a ellos, por lo que esta revisión solo se refiere al Volumen 1.

Después de los primeros ocho minutos que Netflix ya ha revelado, un adelanto in medias res cuyo misterio se resuelve mucho más tarde en la nueva temporada, Stranger Things 4 salta al presente. Y por el día de hoy, me refiero a 1986. Han pasado seis meses desde la batalla de Starcourt Mall, con Eleven (Millie Bobby Brown) contando los días que ha estado lejos de su novio Mike Wheeler (Finn Wolfhard). A través de una carta a Mike, ella nos cuenta lo que está pasando con todos en la familia. Joyce Byers (Winona Ryder), quien llevó a Eleven y sus hijos Will (Noah Schnapp) y Jonathan (Charlie Heaton) a California al final de Stranger Things 3, trabaja desde casa. Will se ha metido en la pintura, y a Jonathan y su nuevo mejor amigo Argyle (Eduardo Franco) “les gusta fumar plantas malolientes juntos”.

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Gaten Matarazzo como Dustin Henderson, Joseph Quinn como Eddie Munson y Finn Wolfhard como Mike Wheeler en Stranger Things 4
Crédito de la foto: Netflix

Mientras tanto, en Hawkins, Mike se prepara para volar a California durante las vacaciones de primavera para ver a Eleven. Dustin Henderson (Gaten Matarazzo) está pirateando sus puntajes escolares con su novia de larga distancia Suzie (Gabriella Pizzolo). Lucas Sinclair (Caleb McLaughlin) y Max Mayfield (Sadie Sink) se han separado, y este último está profundamente afectado por la muerte de su hermano Billy al final de Stranger Things 3. Max parece haber vuelto a ser frío, mientras que Lucas se ha vuelto en el equipo de baloncesto, cansado de ser intimidado y de que las chicas se rieran de él. Steve Harrington (Joe Keery) tiene sus propios problemas con las chicas, mientras que su amiga platónica Robin Buckley (Maya Hawke) está tratando de invitar a salir a una chica, aunque no está segura de que ella también sea lesbiana. Un nuevo participante importante en la pandilla es Eddie Munson (Joseph Quinn), un extrovertido estudiante de último año de Hawkins High y fundador de Hellfire Club, un grupo de juego de Dungeons & Dragons.

Una serie de muertes en Hawkins inicia una investigación, tanto por parte de la policía como de nuestra pandilla. Pero el grupo está dividido esta vez, como puedes ver, con (menos de) la mitad de ellos en California. Stranger Things 4 también trae el pánico satánico que se apoderó de Estados Unidos en los años 80, con un grupo de deportistas persiguiendo a los estudiantes de Hawkins porque están involucrados con D&D. (Sería tonto e hilarante si esto no se basara en algo real). Aquí se pueden establecer paralelismos fáciles con el choque cultural en los EE. UU. Hoy en día. Mientras tanto, Joyce comienza una investigación propia, después de recibir una muñeca espeluznante por correo. Y por segundo año consecutivo, después de la película de Marvel Viuda negra — David Harbour se encuentra en una prisión rusa. Excepto que él no es un superhéroe, y tampoco lo son sus salvadores.

Más allá de las muchas aventuras a las que empuja a la pandilla, Stranger Things 4 también quiere examinar el pasado traumático de Eleven. Criada como un experimento, responde a cualquier desencadenante con violencia física. Y habiendo perdido sus poderes en Stranger Things 3, Eleven intenta recuperarlos en la nueva temporada. Pero Stranger Things 4 realmente no deja que Eleven se pregunte si necesita los poderes. Sus reacciones violentas son una prueba de que necesita alejarse de su pasado. En cambio, Eleven hace lo contrario por sí misma en Stranger Things 4. En algún nivel, parece que Eleven tiene un complejo de salvador. Además, el arco de Stranger Things 4 de Eleven contribuye más a las necesidades narrativas de la temporada, en lugar de ser un examen más profundo de sus años de formación.

Todo lo que necesitas saber sobre Stranger Things 4

Natalia Dyer como Nancy Wheeler y Maya Hawke como Robin Buckley en Stranger Things 4
Crédito de la foto: Netflix

De hecho, la trama tiene tanta prioridad en Stranger Things 4 que, a veces, parece que la serie de Netflix realmente no tiene tiempo para conversaciones. Los personajes tendrán momentos honestos y reveladores, antes de que otro personaje que los estaba escuchando lo reinicie para volver a centrar la atención en la historia.

Y aunque Stranger Things 4 se está involucrando en la ejecución inicial, pierde fuerza más profundamente en el Volumen 1 de siete episodios. No solo hay demasiada trama, todos los saltos entre varios hilos no siempre son naturales. Stranger Things 3 se escribió a sí mismo en un rincón, al parecer en retrospectiva. Expandió su mundo más allá de Hawkins, aunque no estoy seguro de cuánto sentido le veo ahora, después de haber visto siete episodios de un programa que lucha por el ímpetu y el impulso, fuera de los hilos de la trama de Hawkins. Hawkins todavía ocupa muchas cosas extrañas, pero también hay muchas más cosas fuera de él. Y obviamente no ayuda que algunos de esos hilos serpenteen.

Mike, Will y Jonathan están esencialmente eliminados del programa. Joyce y Murray (Brett Gelman) se embarcan en una aventura, mientras que Eleven está prácticamente sola. Y Hopper fue secuestrado lejos de estas personas al final de Stranger Things 3. Si bien la mayor parte de la pandilla todavía trabaja junta en Hawkins, nunca es tan emocionante, alegre o agradable como las temporadas anteriores. Lo que nos queda, al menos en el Volumen 1, es un programa más pobre e inconexo, desafortunadamente. Uno que está tratando de ir en varias direcciones, pero no siempre tiene espacio para ello, a pesar de los tiempos de ejecución locos antes mencionados. Me temo que Stranger Things 4 se ha vuelto demasiado grande para su propio bien.

Stranger Things 4 se estrena el viernes 27 de mayo a las 12:30 p. m. IST / 12 a. m. PT en Netflix en India y en todo el mundo.

Título completo de la imagen de portada (ID): Eduardo Franco como Argyle, Charlie Heaton como Jonathan Byers, Millie Bobby Brown como Eleven, Noah Schnapp como Will Byers y Finn Wolfhard como Mike Wheeler en Stranger Things 4

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Reseña de Ms. Marvel: Refrescante, segura de sí misma y una completa delicia

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Sra. maravilla —estrenada el miércoles en Disney+ y Disney+ Hotstar— es la serie Marvel Cinematic Universe más refrescante y segura de sí misma desde WandaVision. Eso puede parecer un elogio bajo, dado que todo lo demás ha sido impredecible. En realidad, en gran medida se pierda, excepto por el salto temporal con el dios de las travesuras en Loki. Los que han estado leyendo mis reseñas y resúmenes de episodios ya sabrán que le di el 👎🏼 a la comedia navideña de Nueva York Ojo de halcónla aventura egipcia con hombres en su mayoría blancos en Caballero de la Luna, y El halcón y el soldado de invierno que se cortaron los golpes. En ese caso, permítanme revisar mi declaración de apertura. Sra. maravilla es una delicia completa, una que es identificable, agradable, única y realmente divertida en partes iguales: un soplo de aire fresco que MCU-on-TV necesitaba.

Esto es cierto para al menos los dos primeros episodios de Sra. maravilla que los críticos, incluido yo, tuvimos acceso. (Hay seis episodios en total, como en otros programas de MCU, así que he visto un tercio de la ejecución de la serie). Sra. maravillaEl éxito de se debe al hecho de que está inspirado en sus cómics de Marvel: la cocreadora paquistaní-estadounidense de Ms. Marvel, Sana Amanat, es coproductora ejecutiva aquí, en más de un sentido. A su protagonista titular le encanta fantasear y garabatear, y como tal, sus chats y conversaciones se convierten en animaciones gigantescas en las paredes, se imprimen en las carreteras o se apoderan de las luces de neón y la señalización de los edificios. Para mí, me recordó tanto a Scott Pilgrim vs. the World como a Spider-Man: Into the Spider-Verse. En su vena, Sra. maravillaLas estilizaciones inspiradas en los cómics son acertadas.

Y es igualmente perfecto en otros lugares también. Tener la tarea de presentar al primer superhéroe musulmán de la MCU, la adolescente pakistaní-estadounidense Kamala Khan. Sra. maravilla lo hace muy bien entretejiendo urdu, manierismos del sur de Asia y otras localizaciones en sus episodios. Se siente como un mundo creíble. Pero no siempre. Sra. maravilla lleva su amor por la música y las películas de Bollywood en la manga, pero la absoluta antigüedad de una profunda referencia a Shah Rukh Khan refleja la edad de los escritores más que su elenco. Tiempo Sra. maravillaLa creadora y escritora principal paquistaní-británica Bisha K. Ali (Loki episodio 3) es una millennial, los adolescentes en su programa nacieron a fines de la década de 2000. Lo hace mejor con sus gotas de aguja, la mayoría de las cuales son música del sur de Asia, ya que se suman al sabor y el humor de la escena para aquellos que conocen su lugar cultural.

Todo lo que necesitas saber sobre Sra. maravillala nueva serie de Marvel

Ambientada en Jersey City, Nueva Jersey, uno o dos años después de Avengers: Endgame, Sra. maravilla se centra en la mencionada Kamala Khan (Iman Vellani) de 16 años que ama al Capitán Marvel y crea fanfiction de los Vengadores. Entonces, naturalmente, quiere asistir a la AvengerCon inaugural (piense en ComicCon, pero los Vengadores) y participar en la competencia de cosplay como Capitana Marvel. Sus problemas son diminutos, muy adolescentes. Esto hace Sra. maravilla muy similar a los propios problemas adolescentes de Spider-Man y Peter Parker, excepto en un entorno muy diferente y con un protagonista muy diferente. Y también a diferencia del último Spider-Man, Sra. maravilla es en gran medida una historia de origen, algo que la MCU decidió omitir dadas las numerosas adaptaciones de Spider-Man.

Aunque esta podría ser la primera aparición de acción en vivo de Kamala, el viaje de la Sra. Marvel de la página a la pantalla no es solo una representación directa. El mayor cambio es en sus poderes. Si bien Kamala conserva las manos elásticas de los cómics, sus poderes se centran más en la luz. Puede disparar rayos de fotones de sus manos y crear plataformas de luz que flotan en el aire. “¡Cósmico!” como chilla Kamala en el primer episodio. De hecho, sus primeras travesuras le valieron el apodo de Night Light. Además, el origen de los poderes de Kamala no tiene nada que ver con las “habilidades inhumanas latentes” como en los cómics: el presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, señaló que no coincidía con los eventos y la línea de tiempo de la MCU, sino más bien con un artefacto de brazalete que obtiene. en el correo de su Nani (abuela materna).

Sra. maravilla se trata de vincularlo con la herencia paquistaní de Kamala, que es similar a lo que Pantera negra y Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings para sus respectivos personajes. Para Kamala, eso involucra a su bisabuela materna, quien trajo “vergüenza” a la familia, una fuerza poderosa en las comunidades asiáticas, y por qué sus padres realmente no quieren hablar de ella. (Kamala trata de obtener respuestas del exterior, y son solo chismes y un montón de rumores descomunales. Típico nuevamente). Los padres inmigrantes paquistaníes de Kamala, Yusuf (Mohan Kapur) y Muneeba (Zenobia Shroff), también son más estrictos con ella que con su hermano mayor, Aamir (Saagar Shaikh), tiene mucha más libertad y su prometida musulmana no es paquistaní, lo cual también es algo del sur de Asia.

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Iman Vellani como Kamala Khan, Yasmeen Fletcher como Nakia y Matt Lintz como Bruno en Sra. maravilla
Crédito de la foto: Daniel McFadden/Marvel Studios

Para los dos primeros episodios, Sra. maravilla se trata en gran parte de Kamala tratando de ganar algo de libertad de sus padres, haciendo un buen uso de sus poderes y aprendiendo más sobre el pasado familiar. ¡Hay un poco de Shazam! en un momento, cuando Kamala y su mejor amigo Bruno Carrelli (Matt Lintz), a él le gustan mucho los dispositivos, y lo que Ned es para Peter en Spider-Man de MCU, descubre sus nuevos poderes. Kamala también presiona a su rica amiga Nakia Bahadir (Yasmeen Fletcher) para que se presente a las elecciones de la junta de la mezquita. Sra. maravilla Lanza un ángulo romántico de primer amor también, con Kamala de tercer año enamorándose de un nuevo estudiante de último año en Kamran (Rish Shah) que se presenta de la manera más blanca de la historia. Y sus superpoderes le dan una nueva confianza en la escuela, ya que comienza a sentirse más segura de sí misma.

Eso también se aplica a los actores y creadores, ampliando lo que dije al principio. Sra. maravilla es un debut seguro de sí mismo tanto para Vellani como para Ali. Esta última tiene poca experiencia en esta escala, fuera de su puesto de redactora en la serie dirigida por Tom Hiddleston. Loki. Pero Ali conoce el tono, el estilo y el enfoque que busca con su serie. Y ella cumple con creces. Y sin embargo Sra. maravilla es cierto que se desliza en ese ritmo genérico de Marvel del que todas las propiedades de MCU son finalmente culpables, y estoy incluyendo Pantera negra aquí, se sostiene por sí solo y traza su propio camino hilarante y glorioso en su mayor parte.

La primera, Vellani, podría ser una recién llegada: ha dirigido algunos cortometrajes por su cuenta, pero Sra. maravilla es su primer proyecto de largometraje, pero la paquistaní-canadiense de 19 años clava cada nota que se le pide, ya sea cómica o dramática. Gran parte de la energía del programa Marvel se debe a su interpretación de Kamala y cómo se comporta. Vellani, y a su vez Sra. maravilla, es ayudado por una nómina de personajes que llaman tu atención. Eso incluye a Jordan Firstman en un papel menor como el director de escuela tranquilo, el Sr. Wilson. (Lo siento, por favor llámalo Gabe, el Sr. Wilson es su padre). La madre de Kamala, Muneeba, también es fácil de enamorar, a pesar de su duro exterior. Shroff es un éxito instantáneo, brindando los suspiros y las reacciones necesarias que cualquier madre pakistaní o del sur de Asia haría de manera perfecta.

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Mohan Kapur como Yusuf, Iman Vellani como Kamala, Zenobia Shroff como Muneeba y Saagar Shaikh como Aamir en Sra. maravilla
Crédito de la foto: Daniel McFadden/Marvel Studios

En lo profundo del primer episodio, Kamala le dice a Bruno: “No son las chicas morenas de Jersey City las que salvan el día”. Pero como Sra. maravilla está aquí para mostrar, que pueden y hacen mucho. El último proyecto de MCU amplía los esfuerzos de inclusión de Marvel Studios, que se han acelerado en los últimos años. (Mientras tanto, Sony Pictures nos ha dado su tercer Spider-Man blanco consecutivo de acción en vivo).

¿Qué es más interesante para mí con Sra. maravilla aunque es que Kamala y compañía no han conocido un mundo sin superhéroes. Con Sra. maravilla, se nos está dando un vistazo a la generación que ha crecido en la Era de los héroes: Kamala vive y respira superhéroes, al igual que muchos adolescentes en nuestro universo, y ahora están buscando su lugar en el mundo a medida que vienen. años. la profundidad de Sra. maravillaLa inmersión de Marvel y la cultura de los superhéroes dice mucho de cómo el MCU no es solo una fuerza en nuestro mundo. También es una fuerza en su propio mundo imaginario. Esencialmente, la MCU ha existido durante tanto tiempo que, en cierto modo, sus héroes ahora están generando más héroes.

Para mí, la analogía más cercana a esto es el tenis masculino. Los grandes del juego han existido durante tanto tiempo que, a veces, se enfrentan a adolescentes que se han entrenado con ellos o que se han aficionado al deporte después de verlos jugar. (Sucedió justo este fin de semana en el Abierto de Francia de 2022, donde el ganador en serie Rafael Nadal venció a su ex alumno Casper Rudd). Y será algo similar para Kamala Khan, ya que se espera que pelee junto a su ídolo Carol Danvers (Brie Larson) en The Marvels, la secuela de capitana maravilla en julio de 2023. Es un mundo maravilloso y Sra. maravilla muestra que Kamala está lista para hacerlo suyo.

Sra. maravilla se estrena el miércoles 8 de junio en Disney+ y Disney+ Hotstar. Se emitirá un nuevo episodio todos los miércoles alrededor de las 12:30 p. m. IST/12 a. m. PT hasta el 13 de julio.

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Jurassic World Dominion Review: ¿Qué está pasando en el Dino real?

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Jurassic World Dominion, que se estrena el viernes en los cines de todo el mundo, es una mala película. No hay forma de evitarlo, por lo que también podríamos abordarlo de frente. Descarta desconcertantemente las dos principales ideas intrigantes que surgieron de su predecesor: la clonación humana y los dinosaurios ahora entre nosotros. El primero se borra en forma de retcon, en un intento de hacer Jurassic World Dominion sobre la crianza de los hijos y el amor de una madre, en lugar de sus implicaciones éticas. Eso sí, este no es el caso de un escritor y director que va en contra de lo que el tipo anterior había establecido, como sucedió entre Star Wars: The Last Jedi y Star Wars: The Rise of Skywalker. El escritor y director de Jurassic World Dominion, Colin Trevorrow, va en contra él mismo aquí, como escribió el anterior también, Jurassic World: Fallen Kingdom.

Pero el crimen mucho más grande que comete Jurassic World Dominion es (en gran medida) abandonar el potencial de este último. En lugar de estar ambientado en nuestro mundo y centrarse en cómo sería para los humanos coexistir con los dinosaurios, algo que fue objeto de burlas y aparentemente prometido por los dos cortos intermedios: la película de 10 minutos Battle at Big Rock y la película sin título. “prólogo” de cinco minutos que ya no forma parte de la película: la mayor parte de Jurassic World Dominion nuevamente tiene lugar dentro de un santuario de dinosaurios aislado que está dirigido por una corporación multinacional únicamente con fines de lucro. ¿Cuál es el punto de llamarlo Jurásico? Mundo si su (terrible nada bueno) trilogía va a terminar sin mostrarnos cómo el mundo y sus muchas culturas están lidiando con los dinosaurios de diferentes maneras?

La estupidez de esa decisión de escritura (Emily Carmichael (Pacific Rim: Uprising) es la coguionista de Trevorrow aquí) se hace aún más evidente por el hecho de que la mejor parte de Jurassic World Dominion tiene lugar en el mundo real. Malta, para ser específicos. Encuentra a los protagonistas aventurándose en un mercado negro de dinosaurios que vende doner kebabs de dino, y donde se hacen rapaces encadenadas para luchar entre sí por deporte. Es un entorno impecable.

Allí, para encontrar a una niña secuestrada y un velociraptor, deben lidiar con un contrabandista de dinosaurios y su manada de alosaurios entrenados. Las estrechas calles de Malta contribuyen a fascinantes secuencias de persecución, una de las cuales presenta la imitación de ritmos de acción memorables de The Shining y The Bourne Ultimatum. La influencia de este último es mucho mayor en Jurassic World Dominion, diría yo, con la pulsante acción de Malta apasionante, si no del todo coherente, gracias a la cinematografía al estilo Bourne (de mundo Jurasicode John Schwartzman).

Revisión de Jurassic World Fallen Kingdom: se oscurece con los dinosaurios

Pero en su mayor parte, Jurassic World Dominion es incoherente, predecible, mal ejecutado, demasiado serio e innecesariamente largo (146 minutos con créditos). Dado que Steven Spielberg sigue siendo el único director que ofrece una buena película en la franquicia, Dominion me hizo reflexionar: “¿Qué hace que una película de Jurassic sea buena?” La respuesta para Trevorrow and Co. parece ser lanzar nuevos tipos de dinosaurios a los humanos. Ha hablado de “salvar” a Giganotosaurus para la tercera película, como si estuviera coleccionando cartas de Pokémon. Aunque para ser justos, eso es a lo que se han reducido los dinosaurios en este momento. Son como juguetes para los cineastas y secuaces para los villanos. la magia que Parque jurásico conjurado se ha evaporado hace mucho tiempo. Ahora, se trata del puro espectáculo de VFX que puedes lanzar a la audiencia.

Spoilers narrativos leves de Jurassic World Dominion para los próximos dos párrafos.

Descartando el “prólogo” tonalmente ajustado, Jurassic World Dominion ahora está reservado por dos segmentos de noticias expositivos e impersonales. Imagine comenzar su película de $ 165 millones con una transmisión de noticias. Publique eso, ya que nos vuelve a presentar a los protagonistas (antiguos, nuevos y completamente nuevos), Jurassic World Dominion se divide en dos narrativas paralelas. El ex entrenador de aves rapaces y pastor de dinosaurios Owen Grady (Chris Pratt) y la ex gerente del parque y activista por los derechos de los dinosaurios Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) se propusieron rescatar a su hija adoptiva Maisie Lockwood (Isabella Sermon), el clon humano que fue la gran sorpresa de Fallen Kingdom: después de que BioSyn la secuestre, un gigante de la genética que ha creado un santuario para los dinosaurios en la cordillera de los Dolomitas de Italia.

El director ejecutivo de BioSyn, el Dr. Lewis Dodgson (Campbell Scott, reemplazando a Cameron Thor 30 años después) es el nuevo villano aquí, y ve a Maisie como la “PI más valiosa del mundo”. (Nos están facilitando demasiado establecer paralelismos entre Universal Pictures y su visión de Jurassic World). BioSyn también está detrás de langostas genéticamente modificadas que están detrás de una hambruna inminente, que atrae al escuadrón OG de la Dra. Ellie Sattler ( Laura Dern) y el Dr. Alan Grant (Sam Neill) mientras investigan BioSyn con la ayuda del Dr. Ian Malcolm (Jeff Goldblum). No necesitan presentación; ellos eran parte de Parque jurásico. Los personajes completamente nuevos incluyen a DeWanda Wise como la piloto a sueldo Kayla Watts, cuyo camino se cruza con Owen y Claire, y Mamoudou Athie como el jefe de comunicaciones de BioSyn, Ramsay Cole, cuya lealtad es cuestionable.

Revisión de Top Gun Maverick: Tom Cruise Movie Soars, con advertencias

Laura Dern, Sam Neill en Jurassic World Dominion
Crédito de la foto: Imágenes universales

Como puede ver, Jurassic World Dominion, al igual que Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore, descarta personajes que antes eran importantes o los relega a un lado. Incluso el amigo raptor de Owen, Blue, ha sido olvidado, y su bebé Beta se usa más como un MacGuffin que como cualquier otra cosa. En un tirón de último minuto en el corazón, Jurassic World Dominion intenta hacer una reverencia a la conexión entre Owen y Blue, pero se siente fuera de lugar ya que la película no trata sobre ellos. Si la serie Jurassic World en sí misma no puede comenzar a preocuparse por sus rostros principales, ¿cómo hará que nos interesemos?

El problema más grande en última instancia es que las películas anteriores: mundo Jurasico y Jurassic World: Fallen Kingdom, han sido malos en el desarrollo de los nuevos personajes humanos para que nos preocupemos por ellos. Y ahora que es demasiado tarde para hacer las paces, Trevorrow simplemente ha optado por explotar nuestra nostalgia en torno al trío original, uno de los cuales hizo un cameo la última vez. Pero su comprensión de estos personajes es frustrantemente limitada, como si no hubieran crecido en las décadas que han estado fuera. Aún así, Dern exuda un carisma más natural que el que Pratt ha logrado en tres películas.

Pratt, en mi opinión, nunca ha sido el ancla adecuada para esta franquicia. No creo que tenga la presencia para llevar a cabo el papel de tipo duro y serio en sí mismo, sin importar cuánto Hollywood siga arrojándolo en su dirección. Está mucho mejor desplegado de una manera bromista y desprovista de autoconciencia que James Gunn ha hecho con Guardianes de la Galaxia, que se basa en la experiencia de Parques y Recreación de Pratt. Y en algún nivel, creo que Trevorrow ha llegado a reconocer eso. Lo que explicaría que, a diferencia de las dos primeras películas, rara vez se queda solo aquí. En Jurassic World Dominion, Pratt comparte la pantalla con Howard, Wise, Sermon, Neill, Omar Sy y, finalmente, toda la pandilla.

Jurassic World Dominion se filtró en torrents antes de su estreno en los cines

DeWanda Wise, Chris Pratt en Jurassic World Dominion
Crédito de la foto: Imágenes universales

El éxito de Pratt como héroe de acción anodino refleja el éxito de Trevorrow como director de acción de éxito de taquilla anodino. Aunque se quedó fuera de la segunda película como director, y puede tener la tercera también, si no fue despedido de Star Wars: The Rise of Skywalker, Trevorrow coescribió el guión de cada entrada en la trilogía Jurassic World. Pero a pesar de mostrar poco crecimiento como escritor y la revisión crítica cada vez más débil de su trabajo, Universal Pictures le ha confiado su segunda fuente de ingresos más grande. (mundo Jurasico las películas han recaudado casi 3.000 millones de dólares hasta el momento.)

Y aunque Jurassic World Dominion podría ser la tercera y última entrada, le doy a Hollywood menos de una década antes de que decida agregar al canon una vez más, de una forma u otra. Sin embargo, por ahora, Trevorrow, Pratt y compañía nos dejan con una trilogía que nos gustaría olvidar que alguna vez existió. El primer capítulo trató de imitar el original de alguna manera, enviándonos de vuelta al parque pero más grande. El segundo fue un rotundo desastre, y no me refiero a lo que trataba la narrativa. En cuanto al tercero, dejaré que las palabras del Dr. Ian Malcolm de la película nos cierren: “¿Jurassic World? No es un fan.” No podría estar mas de acuerdo.

Jurassic World Dominion se estrena el viernes 10 de junio en los cines de todo el mundo. Los avances pagados comenzaron la tarde del jueves 9 de junio en India y en otros lugares. En India, Jurassic World Dominion está disponible en inglés, hindi, tamil y telugu.

Título completo de la imagen de portada: Jeff Goldblum, Sam Neill, Laura Dern, Bryce Dallas Howard, Chris Pratt, Isabella Sermon y DeWanda Wise en Jurassic World Dominion

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